O teatro te persegue.

Depois de assistir o documentário do Ratto, fiquei emocionada.

Fiquei com vontade de correr e abraçar vocês.

Fiquei com vontade de que vocês abrissem a minha vida.

E eu, as suas.

http://www.youtube.com/watch?v=_cLZI1SV6j8

Galeria do Sistema Solar

Pra gente parar de imaginar, e entender, o que deve estar se pondo agora no Japão - e otras cositas más.

http://www.smithsonianmag.com/multimedia/photos/?c=y&articleID=59247082&page=13

Parece grande, mas não é.

Hoje é o seguinte:

voltei de Recife, de onde eu vivi um dos momentos mais legais da vida. Assisti ao show da banda Beirut, e é lindo, lindo, lindo. Para quem não conhece, sugiro que corram até o youtube e comecem com o tradicional pãozinho com manteiga: Elephant Gun. Não tem erro. E aí vamos adiantar tudo o que aconteceu do show até agora agora agora.

Agora agora agora, peguei minha resenha de Prática de Montagem para enviar para a Simone Reis, por email. Fala do texto Carta aos Atores, dO teórico teatral Valère Novarina, e tem algumas coisas interessantes que vale colocar aqui. Um beijo em vocês, mas de verdade, um beijo em vocês, porque tô com saudade - da branca, que é ventinho.

---------------------------------------------------------------------------

Partes picadas da resenha do Carta aos Atores, de Valère Novarina

Carta aos atores foi o texto que inaugurou as discussões do semestre. De alguma maneira, foi esse manifesto, esse no qual Valère Novarina nos revela tudo o que desvia o ator da (re)presentação original, sincera e rítmica, foi essa a leitura que ditou o tom dos nossos encontros em sala – e reverberou para fora dela.

(ps pra gente: ele usa o conceito 'presentação' para falar das performances, por exemplo, quando há em cena uma fusão evidente entre pessoa e personagem)

Escrito durante os ensaios da peça O ateliê voador, para o elenco que estreou o espetáculo em janeiro de 1974, o monólogo recorda que é no ritmo que o sentido do texto teatral aparece.

“Ir sempre mais depressa, improvisar, encadear ainda mais rápido, lutar pelo tempo contra seu próprio saci furado. Boucot orador, mestre da retórica sem fôlego mas retoricando cada vez mais depressa, procurando seu terceiro, seu quinto, seu nono sopro”, p. 9

A produção textual do autor não se insere na dramaturgia tradicional e propõe outros sentidos cênicos a serem interpretados. Estudiosos de Novarina o colocam como o que de mais novo surgiu depois de Beckett - que rompeu com o tipo de teatro produzido no século XX.

Nesse sentido, o prólogo de Carta aos Atores prepara o leitor para os neologismos e a sintaxe muitas vezes truncada de Novarina. Essa seria a forma encontrada pelo autor de nos lembrar que o texto de teatro foi feito para ser proferido, e que é no ritmo que algum outro sentido pode vir a se revelar.

Tanto, que vira poesia, e nos rasga nossas referências mais pessoais, mais literárias. De repente, me apareceu Guimarães Rosa na cabeça. Cabeça mastigada, deglutida, digerida, capaz dissesse Novarina. Apareceu-me Guimarães Rosa e a feitiçaria das palavras de Grande Sertão, Veredas. “Enfim, cada um o que quer prova, o senhor sabe: pão ou pães, é questão de opiniães... O sertão está em toda parte”.

(...)

A cadência do texto de Novarina é tão veloz, e tão pessoal, que ultrapassa a capacidade lógica do leitor e avança sozinho em suas idéias. Uma vez, porém, alcançado, o ritmo de Novarina é capaz de tomar-nos completamente. E mais que isso, ecoar sempre em outras discussões, outros assuntos, outros encontros entre teoria e teatro.

“Os pontos, nos velhos manuscritos árabes, eram assinalados por sóis respiratórios... Respirem, pulmoneiem! Pulmonear não é deslocar o ar, gritar, inflar, mas, pelo contrário, conseguir uma verdadeira economia respiratória, usar todo o ar que se inspira, gastá-lo todo antes de se inspirar de novo, ir até o fim do fôlego, até a constrição da asfixia final do ponto, do ponto da frase, da pontada de lado depois de correr”, p. 7

(bonito, né? sóis respiratórios. deve ser assim no japão, do outro lado do mundo)

Prova dessa escrita que parece vir absolutamente de dentro - sem deixar de pensar no som de fora - é a frase de abertura do texto: “Escrevo com os ouvidos. Para atores pneumáticos” (p.7). Daí o autor segue na tentativa de desvendar o físico, o anatômico, para culminar em como deve ser o processo de mastigação e deglutição do texto.

Novarina descreve, sem poupar intensidade, a digestão das palavras, a entrada dentro dos tubos humanos – físicos e sentimentais, onde é possível ouvir os sons ruminando. “Coma, trague, coma, mastigue, pulmoneie de um só trago. Vá, mastigue, triture, canibal! Ai, ai!... Boa parte do texto deve jorrar num sopro só, sem retomada de fôlego, usando-o até o fim. Gastando tudo” (p. 7)

O autor explica onde fica o coração disso tudo. O coração que bombeia e faz tudo isso circular está no fundo do ventre, nos músculos do ventre. De acordo com Novarina, são esses mesmos músculos do ventre que, comprimindo as tripas ou pulmões, servem para defecar ou acentuar a palavra. “Não adianta bancar o inteligente, tem é que botar os ventres, os dentes, as mandíbulas pra trabalhar” (p. 8)

(...)

Novarina trata do ator como a uma usina, sobretudo vista por dentro. As engrenagens do humano são desmontadas pouco a pouco pelo autor, que destrincha a mecânica física e social das doenças do ator.

“O meu prazer (é preciso tentar sempre dizer um pouco de onde ele vem, ah, os artistas!), não é que o ator me devolva as antigas falas impostas, mas é ver muitas vezes, cada vez mais, o velho álcool por muito tempo tampado ter sobre ele efeitos espetaculares”, p. 13

A defesa de Novarina por um teatro que “age sempre e com muita força sobre os cérebros, abala ou perpetua o sistema dominante” urge para o teatro transformador de percepções. Nesse ritmo, o autor explora a platéia e a paixão do público em ver o ator rítmico e atuante.

“O público é apaixonado por Economia. Ou seja, a maneira como o ator se gasta durante todo o espetáculo. O ator duplica, triplica, quadriplica a batida sangüínea regular, o circuito dos líquidos. Ele morre jovem. Música! Música!”, p. 15

Novarina pretende catapultar o ator para a intensidade, não para a intenção. “É preciso colocar o corpo para trabalhar. E, em primeiro lugar, materialisticamente, farejar, mastigar, respirar o texto” (p.17)

Apesar de procurar as molas movedoras dos atores – quais são elas? será necessário construí-las a cada novo processo? -, Novarina abomina a idéia de ver o intérprete como instrumento. “O ator não é um intérprete porque seu corpo não é um instrumento. (...) Os que dizem ao ator para interpretar com o instrumento de seu corpo, (...) estão do lado da má compreensão do corpo, do lado da repressão do corpo, que dizer, da repressão pura e simples. (p.20)

No final do texto, Novarina não se furta em questionar o porquê de ser ator. Procurando pela resposta, sugere o atalho da libertação. E escreve:

“O quê, o quê, o quê? Por que se é ator, hein? Só é ator quem não consegue se habituar a viver no corpo imposto, no sexo imposto. Cada corpo de ator é uma ameaça, a ser levada a sério, para a ordem ditada ao corpo, para o estado sexuado; e se um dia a gente está no teatro, é porque tem algo que a gente não suporta”, p.23

Termina com o veredicto. “Existe em cada ator algo como um corpo novo que quer falar. Uma outra economia do corpo que avança, que empurra a antiga, imposta”.

Finalmente...

Depois de tanto tempo, cá estou eu...
Muita coisa vista no Cena, muito texto lido e o blog todo visto.

Parece-me que é recorrente a solidão, que nos envolvemos cada vez mais, à medida que caminhamos para dentro do rio antípoda, de solidão, de por-do-sol e de silêncio.
Acabo de assistir à entrevista com Clarice e me encantei pela sinceridade dela, apesar das perguntas esdrúxulas do entrevistador.
Ela sincera, sem pretensão de dar formas, respostas ensaiadas, bonitas e simples. Incompreendida alma silenciosa produtora de belas histórias. O entrevistador, formulador de questões superficias e ignorante às possibilidades que se sentavam à sua frente, Clarice.

Me deixou pensando no texto, no mínimo indispensável que se faz necessário para ir à cena e também na solidão antípoda que estaremos pesquisando e vivenciando nos próximos meses.

Vou revisitar meu blog e trazer os títulos de alguns textos que já escrevi lá sobre coisas parecidas.

Posto aqui depois os títulos, mas o blog já deixo disponível:
www.cronicasdumpersonagem.blogspot.com

Muito dessa atmosfera de Clarice e algumas palavras da menina de 16 anos me lembra poemas de Florbela Espanca...Vcs conhecem?
Posso levar no próximo ensaio.

Fiquem bem e não deixem passar as cores do céu...elas mudam tão depressa, né?
(risos).

Proposta para Segunda

Como ninguém pode comparecer ao ensaio hoje, eu e a Rizzo conversamos um pouco sobre o texto e eu fiz uma proposta para os atores, só a Ju estava, mas o Mateus também pode trabalhar nela.
A distribuição das falas ainda está meio divergente, então propus um cenário hipotético (não que seja isso que eu quero pro texto) para que os atores fizessem uma distribuição própria se baseando nisso: A menina é mimada, cheia de problemas e tem uma certa inclinação a ser perversa. O cara é o irmão postiço de um outro casamento da mãe, tem uns 26 anos e foi incumbido de tomar conta da pirralha. O pai da menina discrimina o enteado e o coloca em uma posição de devedor, pois é muito rico e só o aceita pela mãe do garoto.

A proposta é que dentro dessas circunstâncias o Mateus e a Ju mudem drasticamente distribuição das falas (podendo até mudar o artigo das falas para caber aos gêneros), e também suas intenções. Tentem se desprender das leituras que fizemos até agora para que o texto possa ser modificado.

Tudo isso é a título de experimentação e ao meu ver, uma maneira de não cristalizar os sentidos que encontramos até agora.

Qualquer dúvida me avisem!

Sobre os lindíssimos.

http://www.youtube.com/watch?v=SYLCm_Z47DM

"A gente só queria contar aquela história."

Intimação.

Minhas queridas gotas de suor de sol,

não é uma sugestão, vejam bem, é uma exigência:

Mercadorias e Futuro, hoje (10/9, dez de setembro, dez do nove, quinta-feira), às 21h (9 pm, nove horas da noite, vinte e uma horas, uma hora para as vinte e duas), na sala Martins Penna (não na Villa Lobos, nem no Sesc, nem no CCBB), na Martins Penna, repito, ÚLTIMO DIA.

Sem exageros - o que fica quase impossível quando a intenção é sugerir que vocês vejam a peça -, assistam. É escrito e interpretado por José Paes de Lira, o Lirinha, vocalista do Cordel do Fogo Encantado. É ele e uma parafernália de palavras originais. É uma autorização para nossa ousadia. Saí de lá querendo trazer o Japão pro coração, nossa sala de ensaio.

Como fecho de ouro desta intimação, imploro: vejam o espetáculo Mercadorias e Futuro - e amanhã vocês me apareçam com um beijo.


(curiosidade, hehe: ele é marido da Leandra Leal, produtora e co-diretora da peça)

"A revolução não é saudável para a cabeça e os pescoços dos envolvidos, sejam heróis, sejam bandidos" Fernando Bonassi

Vamos começar a gritar.

Esse tal de Caio.

Como conversamos mais cedo, um pouquinho de Wikipedia sobre o Caio Fernando Abreu. Com o nome dele no Google, vocês vão chegar em muitos muitos muitos resultados. E o destino deles desembocará aqui, na gente. Ê!

ps.: detalhe para a formação profissional do Caio.

Caio Fernando Loureiro de Abreu (Santiago, 12 de setembro de 1948 — Porto Alegre, 25 de fevereiro de 1996) foi um jornalista e escritor brasileiro. Caio Fernando Abreu era homossexual assumido.

Apontado como um dos expoentes de sua geração, sua obra, escrita num estilo econômico e bem pessoal, fala de sexo, medo, morte e, principalmente, de angustiante solidão. Apresenta uma visão dramática do mundo moderno e é considerado um "fotógrafo da fragmentação contemporânea".

Cursou Letras e Artes Cênicas na Universidade Federal do Rio Grande do Sul, mas abandonou ambos para escrever para revistas de entretenimento, como Nova, Manchete, Veja e Pop. Em 1968, foi perseguido pelo DOPS, e acabou se refugiando no sítio da escritora Hilda Hilst, em Campinas. No início dos anos 70, exilou-se por um ano na Europa, passando por países como Inglaterra, Suécia, França, Países Baixos e Espanha.

Em 1983, mudou-se de Porto Alegre para o Rio de Janeiro e, em 1985, para São Paulo. Voltou à França em 1994 e retornou no mesmo ano, ao descobrir-se portador do vírus HIV. Faleceu dois anos depois, em Porto Alegre, onde voltara a viver novamente com seus pais e dedicando-se a tarefas como jardinagem.

Ouvi deitada na cama.

http://www.youtube.com/watch?v=2Orgxd9bD_c&feature=related

"Eu conheci razoavelmente bem Clarice Lispector. Ela era infelicíssima, Zézim. A primeira vez que conversamos eu chorei depois a noite inteira, porque ela inteirinha me doía, porque parecia se doer também, de tanta compreensão sangrada de tudo. Te falo nela porque Clarice, pra mim, é o que mais conheço de GRANDIOSO, literariamente falando. E morreu sozinha, sacaneada, desamada, incompreendida, com fama de "meio doida”. Porque se entregou completamente ao seu trabalho de criar. Mergulhou na sua própria trip e foi inventando caminhos, na maior solidão. Como Joyce. Como Kafka, louco e só lá em Praga. Como Van Gogh. Como Artaud. Ou Rimbaud",

Caio Fernando Abreu sobre Clarice, em Carta ao Zézim.

Aqueles dois.

"A verdade é que não havia mais ninguém em volta. Meses depois, não no começo, um deles diria que a repartição era como "um deserto de almas" (...) E perdidos no meio daquilo que Raul (ou teria sido Saul?) chamaria, meses depois, exatamente de "um deserto de almas", para não sentirem tanto frio, tanta sede, ou simplesmente por serem humanos, sem querer justificá-los — ou, ao contrário, justificando-os plena e profundamente, enfim: que mais restava àqueles dois senão, pouco a pouco, se aproximarem, se conhecerem, se misturarem? Pois foi o que aconteceu. Tão lentamente que mal perceberam" Caio Fernando Abreu, em Aqueles Dois.

Aperitivo da peça que, olhem que beleza, meus crianças, está na programação do Cena Contemporânea (êêê):

Aqueles Dois / Luna Lunera (Teatro Garagem)

- Quarta (9 de setembro) e Quinta: 19h

Rainhas.

De repente, agora, pensei em acordarmos muito muito cedo e assistirmos um filme antes de um dos nossos encontros. Acabei de ver um: Elizabeth - A Era de Ouro. Sempre guardei no meu imaginário como sendo um bom filme, e é mesmo. Elizabeth aparece com tanta força.

Era preciso. Ela não teve filhos, nunca foi para a cama com ninguém, não teve senhor. Era preciso força, sobretudo, para enfrentar uma liberdade tão poderosa. E agora estou com aquele sentimento pós filme, aquele jato, congelado e difuso - sinto na garganta e no alto do estômago.

Às vezes, me pergunto: existe um sentimento bom na tristeza?

Eu vou começar a gritar.

(Silêncio).